The experiment (2010)

Detrás de la línea

★★☆☆☆

En este remake de la alemana Das experiment (Oliver Hirschbiegel, 2001), Travis decide darle un cambio a su vida tras ser despedido por un recorte presupuestario de la residencia en la que trabaja. Tras conocer a una atractiva mujer, está dispuesto a seguir sus pasos hasta La India para volver a encontrarse con ella. Para lograrlo necesita dinero, por lo que entra en un experimento sociológico destinado a estudiar la relación entre la autoridad y el comportamiento humano. Pero ese experimento no se desarrolla según estaba previsto.

La principal diferencia está en la incorporación del clásico "Chico conoce a chica". Y ese es un argumento tan recurrente que ni siquiera hay un mínimo esfuerzo en su desarrollo. Solamente consigue aportar a la película la meta personal del protagonista de tener algo por lo que luchar, pero ni siquiera eso llega a ser una motivación.

Adrien Brody, que interpreta al Prisionero 77, podría dar más de sí mismo, pero quizá el proyecto no esté a su altura. Su personaje, que en la primera versión tenía una personalidad firme, adquiere un carácter esquizofrénico con el que pasa de enfrentarse a los más fuertes a sucumbir ante cualquier adversidad. Probablemente este sea uno de los cambios más desafortunados, ya que con él se pierde la excelente psicología que tenía en el filme alemán. Y eso por no hablar del dudoso concepto de violencia que se plantea, basado solamente en las agresiones físicas más graves que se puedan dar.

La gran tensión que impregnaba el título original se ha evaporado, pudiendo vislumbrarse únicamente en momentos muy puntuales. Desde luego, la resolución final no funciona. Lo que en Das experiment quedaba perfectamente explicado con las imágenes, aquí pasa a ser redundante mediante un diálogo final que evidencia su moraleja a los más despistados. Si bien en él se cuestiona la evolución humana, probablemente hubiese sido más productivo entrar a valorar la necesidad de volver a rodar una película sin tener el menor ánimo constructivo.

Estreno en España: Por determinar

El último bailarín de Mao (Mao's last dancer, 2009)

Bailando en la cuerda floja

★★☆☆☆

Basada en una historia real, El último bailarín de Mao recopila los momentos más destacables de la vida de Li Cunxin. Seleccionado por representantes de Mao Tse Tung, abandona su pueblo natal para estudiar ballet en Pekin, teniendo que abandonar a su familia. Su éxito le llevará a exhibir en el continente americano todo lo que ha aprendido. Pero Li conoce allí cosas que nunca hubiera podido imaginar, por lo que intenta no tener que regresar.

El responsable de este trabajo es Bruce Beresford (Paseando a Miss Daisy, 1989). Siendo la historia narrada desde su estancia en Estados Unidos, los pasajes de su infancia se muestran mediante extensos flashbacks edulcorados por una repetitiva y predecible música oriental. Estos recuerdos, en los que se alaba exageradamente la figura del líder comunista, suponen una crítica que evidencia las carencias que China sufrió bajo su mandato. Pero es el la embajada donde aparece su peor imagen, llegando a ser considerado como un criminal que no respeta el derecho internacional.

Los números de baile son cuantitativamente moderados, si tenemos en cuenta el argumento. Estas secuencias hacen disfrutar a los amantes del ballet, pero sin dar tiempo a aburrir a quienes no les gusta este arte. Tampoco se regodean en piruetas rocambolescas e imposibles, siendo un espectáculo básico pero creíble.

Si bien el ritmo de la película es desigual, el desenlace es uno de los puntos más débiles que tiene. Buscando una emotividad que no se consigue, pierde a su vez todo el carisma que ya había obtenido. Además de previsible, no sostiene toda la protesta política en la que tanto se ha insistido durante este filme. Y si hay algo imperdonable, tanto en la danza como en el cine, es la falta de coordinación que hace perder el equilibrio en el peor de los momentos.

Estreno en España: 17 de diciembre de 2010

(Preestreno cortesía de Cines Renoir)

Machete (2010)

En el filo del mito

★★☆☆☆

Varios años después de tentar al público con un falso trailer proyectado antes de Planet Terror, Robert Rodriguez ha conseguido convertir aquella idea en un largometraje. Machete debe entenderse, por tanto, como un fruto del éxito que tuvo con aquella película, por lo que la comparación con la misma es inevitable.

La dificultad de este proyecto está en la forma de construir un filme partiendo de unas imágenes que, unidas, resultan exageradas. Aunque todas ellas aparecen en algún momento, da la sensación de que el argumento es un camino forzado que obliga a mostrar los acontecimientos ya expuestos en su día. De esta forma, esos momentos cruciales del falso trailer pasan a un segundo plano, cobrando más protagonismo aquello que ha sido añadido después. Viendo el producto final, el personaje de Luz (Michelle Rodríguez, conocida por el personaje de Ana Lucía en la serie Lost) debería haber aparecido en dicho trailer, ya que constituye una de las tramas más importantes. Este tipo de inclusiones son responsables de que Machete no tenga la misma fuerza que tenía su planteamiento inicial.

Puede parecer algo insignificante, pero el tratamiento que tiene la fotografía es muy descuidado. Y no en el sentido de mala calidad, sino todo lo contrario. El ruido utilizado tanto en Planet Terror como en Death Proof (Quentin Tarantino, 2007) es vuelto a utilizar en los primeros minutos como elemento decorativo, pero radicalmente olvidado en el resto del metraje. En la película de Rodríguez, este desgaste estaba justificado, como por ejemplo cuando interrumpe la secuencia de sexo con la chica que tiene una pierna de madera. Pero utilizar ese efecto de manera gratuita e instantánea no aporta nada productivo.

Por lo demás, resulta entretenida. Se deja ver, aunque es fácil llegar cansado a la última parte. Tal vez sea porque, en ese momento, el espectador que lleva años creando expectativas ya haya descubierto que es una mala idea mitificar algo que todavía no ha sido producido. Y, sin duda, Machete es una obra que hubiera sido mejor que permaneciese tan sobrevalorada como estaba hasta el momento.

Biutiful (2010)

Cuestión de supervivencia

★★★☆☆

Con un Javier Bardem más humano que nunca, y en una Barcelona más humilde de lo que el cine suele retratar, Biutiful intenta hurgar en las entrañas del espectador para mostrar las miserias que todos llevamos dentro, y que solo afloran en los casos de extrema necesidad. Uxbal, padre de una familia desestructurada, utiliza toda su imaginación para que a sus hijos no les falte todo lo que les falta. Pero cuando las dificultades no escasean, el incontrolable mal humor no consigue otra cosa que devolver a la familia a su cruda realidad, devolviendo ese sufrimiento a los más inocentes.

Alejandro González Iñárritu se ha quedado esta vez a las puertas de hacer una buena película. Y es que, si bien los ingredientes de los que partía eran buenos, el resultado final no lo es tanto. Los diferentes casos de inmigración propuestos reflejan tanto la venta ilegal de música y películas, conocida con el nombre de top manta, como la explotación humana de trabajadores, pero sin profundizar lo más mínimo en sus respectivas situaciones. Por otro lado, el don especial con el que nació el personaje de Bardem queda aislado del resto del argumento, sin que exista conexión alguna con la historia; incluso se llega a crear una desagradable confusión que, al final del filme, permanece anclada esperando desde el techo de su hogar.

Aunque lo más destacable sean las interpretaciones del padre y de sus hijos, en el fondo Biutiful ofrece lo que promete: un cuento sobre la dureza de la vida; una reflexión sobre la supervivencia animal en un entorno hostil. Aunque se intente negar, esa es nuestra naturaleza. De un modo u otro, todos intentamos no entrar con coleta en nuestros bosques para así no aparentar ser un zorro y no espantar a las lechuzas.

Sala y Salón - Programa 05

Esta semana:

• Escuchamos a Rodrigo Cortés hablar sobre su película Buried (Enterrado).
• Hacemos un repaso de los estrenos de la semana.
• Debatimos sobre la próxima película de Harry Potter.
• Descubrimos qué parejas de cine se han roto en los últimos días.
• Despedimos a Luis García Berlanga.
• Encuesta: ¿Qué dos actrices te gustaría que fuesen las elegidas para la próxima entrega de Batman?
• Y mucho más.

Puedes escuchar nuestro programa en la página web de Sala y Salón.

Sala y Salón - Programa 04

Nueva temporada de Sala y Salón, un programa de radio sobre cine hecho por un grupo de estudiantes universitarios que comparten su pasión por el séptimo arte.

Esta semana:

• Entrevistamos a Diego San José, guionista de Pagafantas (Borja Cobeaga, 2009).
• Hacemos un repaso de los estrenos de la semana: Salidos de cuentas, Caza a la espía, Agnosia, Jackass 3D y La bohème.
• Debatimos los últimos estrenos de series de televisión españolas.
• Repasamos las noticias más significativas de los últimos meses relacionadas con personalidades del mundo del cine.
• Consultorio: ¿Hubiera cambiado mucho El laberinto del fauno dirigida por un director norteamericano?
• Encuesta: ¿Cuál es tu película favorita de Pixar?
• Y mucho más.

Puedes escuchar nuestro programa aquí.

María Antonieta (2006)

¡Que Dios salve a Sofia!

★★☆☆☆

Bajo un título que parece una llamada a la revolución, Sofía Coppola se queda a las puertas de tal intento. Al contrario de lo que sería más previsible, la historia se centra en el rechazo que la monarca recibe de su marido, sin apenas entrar en el desarrollo de la Revolución Francesa.

El punto de distinción de María Antonieta es su anacronismo. Por este motivo ha sido injustamente comparada con Moulin Rouge! (Baz Luhrmann, 2001). Injustamente, porque en este caso la música seleccionada no se adapta al relato, desvinculándose por completo del mismo. Dicho anacronismo no se limita a su banda sonora, sino que también invade todo lo demás. Así es posible contemplar cómo las reuniones femeninas son más propias de Sexo en Nueva York (Darren Star, 1998-2004) que de la corte de una reina.

Esta película supone un retorno a la primera obra de la directora: Las vírgenes suicidas (1999). En ambas se cuestiona el papel que la mujer debe desempeñar socialmente. Frente al encierro que se produce en la primera, y sus posteriores consecuencias, aquí se critica que la única labor que tuviesen en la realeza fuera la de dar a luz al sucesor de la corona. De Lost in translation (2003) solamente ha podido mantener el erotismo creado por su protagonista en ropa interior, incluso mejorando la imborrable imagen de Scarlett Johansson por la de una excelente Kirsten Dunst (Mary Jane en Spiderman).

El ritmo seguido pasa de un inicio muy lento a un desarrollo aceptable, para después desembocar en un final poco resuelto. Hay que destacar el momento en el que ella consigue su objetivo, resolviendo un largo periodo de tiempo en unos pocos segundos. La sonrisa de ella en la hierba (imagen superior) da paso a una elipsis temporal de manera brillante.

Sofía Coppola da un paso atrás en esta obra. No se sabe todavía si es para tomar impulso, o si terminará tirando la toalla. Lo que sí parece es que, con el talento que ya ha demostrado tener, aquí está empeñada en ofrecer solamente sus migajas a los espectadores. A falta de pan, que coman pasteles.